members ROUGH. Fashion Brand ANCHORED IN MEMORY, ROOTED IN THE STREET. THROUGH THE FORWARD MOTION OF YOUTH, OF ASSIMILATING AND UPHOLDING INVIOLABLE VALUES, AND OF GROUNDING ONESELF IN THE HUMAN EXPERIENCE. ON METROPOLITAN BLOCKS, UPTOWN COURTS AND DOWNTOWN CORES. AMONG FLASHBACKS OF A CHILDHOOD IN PASTORAL GREECE, WITH THE SUN, THE SEA AND THE ARID HILLS ALWAYS IN PLAY. AMID THE PERMANENT ENERGY AND COMMUNAL REVERB OF CITIES WORLDWIDE. ROUGH.’S AESTHETIC IS DEFINED BY A CALIBRATION OF CLASSIC, CLEAN LINES AND A MODERN VERNACULAR. IT IS FUELED BY LOOKING THROUGH A NOSTALGIC LENS, YET ITS SIGHTS ARE SET ON THE PRESENT (AND FUTURE) HORIZON. IT SPEAKS NOT THROUGH LOUD AND SUPERFICIAL GIMMICKS BUT THROUGH QUIET AND EMOTIONAL APPEALS. IT SEEKS TO MOVE THE NEEDLE, AND TO COMMENT ON THE HOMOGENIZED STATE OF COMMERCIALIZED ENTERPRISE: IT IS A STANDALONE VISION, AUTONOMOUS IN SPIRIT AND UNIFIED IN ITS AIM FOR SOCIAL COEXISTENCE. PERCEPTION. PRESENTATION. MORALS. MEMORIES. THE LESSONS OF FAMILY. THE SUPPORT OF FRIENDS. ALL OF IT COMES TOGETHER TO CREATE SOMETHING INDIVIDUAL YET UNIVERSAL, AND IN THIS, A DISTINCT DESIGN LANGUAGE EMERGES. IT HOLDS THREADS OF THE MEDITERRANEAN, AND AN ATMOSPHERE PROPELLED BY YOUTHFULNESS AND LIFE AS IT TRANSPIRES. THERE’S JOY, MAYBE SOME ANGST, CONFIDENCE, AWARENESS, AND OPENNESS–THE WIDE-EYED WONDER OF EXPERIENCE, FELT AND SEEN IN CLOTH AND CUT. BORN IN 2016. FOUNDED BY STELIOS THEODORIDIS. https://r-ough.com/ stelios@r-ough.com Next Previous

members IDEN Fashion Brand Welcome to IDEN, a Berlin-based fashion label born in 2021 to redefine the edge of reality and digital space. Merging bold, transgressive visuals with sustainable craftsmanship, IDEN invites you into a virtual dystopia lead by delinquents. Inspired by queerness, cyborg culture, and excessive rebellion, IDEN transcends gender and normativity. For the digital natives and new age punks, we design clothes that work in both the digital and the physical. http://iden.berlin contact@iden.berlin Next Previous

members DAGGER Fashion Brand Berlin-based brand DAGGER takes its name from the ceremonial blade used in pagan rituals - a symbol of endings, beginnings, and transformation. The brand was founded in 2020 by Luke Rainey, after an unexpected job loss left him with nothing but €300 in unemployment benefits and a dream. The final line of his dismissal letter - “We wish you all the best with your professional future and personal wellbeing” - struck a nerve. Ironic and impersonal, it became a source of unexpected inspiration. Luke took the words at face value, stamped them on the back of what would become DAGGER’s first and now-iconic “Core” T-shirt, and turned “All the Best” into the brand’s enduring slogan. The DAGGER aesthetic was forged in Luke’s rebellious teenage years growing up in a small Northern Irish town in the mid-2000s - a place where money was tight, but skate was currency. That era’s rough-edged, DIY spirit runs through every stitch: clothes that wear like scraped knees and cracked pavements. https://www.dagger.store/ info@dagger.store Next Previous

members Julian Zigerli Fashion Brand JULIAN ZIGERLI designs highly technical FASHION that is EASY to wear, modern but still TIMELESS and functional. The PLAYFUL and smart touch of the COLLECTIONS get underlined by the strength of its printdesigns. The label is famous for the print COLLABORATIONS with artists from all different areas. The effortless work COLLABORATIONS between ART and FASHION is UNIQUE in its form and provides the pieces with a full doses of MAGIC. LOVE, COLOUR, HUMOR and POSITIVITY are the core values to the brand's design. https://www.julianzigerli.com fyi@julianzigerli.com Next Previous

3. Juni 2025 Der Fashion Council Germany ist stolz darauf, als erste deutsche Modeinstitution für die renommierten King’s Foundation Awards nominiert worden zu sein. Die Auszeichnung, die unter der Schirmherrschaft von König Charles III. vergeben wird, würdigt herausragendes Engagement für nachhaltige Entwicklung, kulturelle Bildung und zukunftsorientiertes Unternehmertum. Den Kern bildet die Philosophie der „Harmony“: Im Einklang mit der Natur zu arbeiten, anstatt gegen sie. Dabei wird die Stiftung von prominenten Botschafter:innen unterstützt, darunter David Beckham, Sienna Miller, Rod Stewart & Penny Lancaster, George Clarke, Sarah Beeny und Patrick Grant. Den FCG und die King’s Foundation verbindet bereits eine intensive Zusammenarbeit für die Initiative Fashion x Craft , die 2022 ins Leben gerufen wurde und die seit 2025 von eBay Deutschland als Partner unterstützt wird. Das Projekt zielt darauf ab, jungen Designtalenten Verfahren beizubringen, die über die Grenzen der klassischen Mode- und Textilproduktionsverfahren hinausgehen. Zum Programm gehört u.a. eine 12-tägige Residenz der Modedesigner:innen auf dem Highgrove Estate in England. Anerkennung für den Einsatz des FCG für eine faire Modezukunft Mit der Nominierung für die King’s Foundation Awards wird der langjährige Einsatz des Fashion Council Germany für die Förderung einer verantwortungsvollen, innovativen und inklusiven Modebranche auf internationaler Bühne gewürdigt. Als FCG empfinden wir diese Anerkennung nicht nur als eine große Ehre, sondern auch als einen bedeutenden Impuls, unsere Mission weiter voranzutreiben: Mode als kulturelles Gut und gesellschaftliche Kraft zu stärken. Die Preisverleihung findet am 12. Juni 2025 im St. James Palace in London statt. AUTOR:IN Ann-Kathrin Riedl ANSPRECHPARTNER:IN INFOS ANFRAGEN ari@fashion-council-germany.org WEBSITE/S https://kings-foundation.org/ MITGLIEDER Previous Next News Fashion Council Germany für die King’s Foundation Awards nominiert

PARTICIPATION REQUIREMENTS The participant must be • Available and located in Berlin during the period of the competition • Available and located in Berlin for the next BFW, which takes place in February 2025 • Able to invoice their services during the next BFW in the case of winning • An aspiring photographer (student, graduate, young professional) in the field of fashion/street-style photography SELECTION CRITERIA The photo series should • Represent and reflect the local fashion culture of Berlin and Berlin Fashion Week • Acknowledge and appreciate diversity in terms of gender, ethnicity, age, body type and fashion preferences • Highlight the originality and creative elements in BFW street-style, as well as represent individual interpretations of fashion • Be visually appealing and shareable on social media platforms STREETSTYLE PHOTOGRAPHY COMPETITION FOR BERLIN FASHION WEEK IMAGES TO BE SUBMITTED • Participants must submit a series of 5 photos that include the following images in any case: One “Close Up Beauty” Shot, one “Paparazzi” Shot, and one “Frontal Full Outfit” Shot • Submission must include the individual photos, as well as the photos combined in one PDF file DOWNLOAD EXAMPLE here FRONTAL FULL OUTFIT © Caroline Kynast CLOSE UP BEAUTY © Ben Mönks PAPARAZZI © Jeremy Moeller Jumpstart your photography career by participating in our Streetstyle Photography Competition. This exciting opportunity invites aspiring photographers from Berlin – including students, graduates, and young professionals – to showcase their talent, with the chance to have their work published and become an official photographer for the next Berlin Fashion Week in February 2026. Participants are invited to submit five captivating photos across various categories. These will be carefully evaluated by our expert jury, which will be announced in the coming weeks. We encourage submissions that capture the essence of the vibrant moments unfolding on the streets outside the show venues during Berlin Fashion Week. Through our official Berlin Fashion Week Schedule, participants can easily locate the venues hosting different shows. Unleash your creativity and showcase your perspective through the lens! There will be an official publication of the winning photo series in the renowned Instyle. Furthermore, the winner will be hired as an official photographer for the next edition of Berlin Fashion Week. This entails not only publishing your work on the official BFW channels and potential press features but also includes compensation for your effort. Additionally, you will be included in the FCG Photo Database, with the prospect of engagement in future projects with Fashion Council Germany. The winner of the Streetstyle Photography Competition AW25 is Mariia Dred! TIME FRAME 30/06/2025 Submission open 09/07/2025 Submission closed Mid July Announcement of the winner IMAGES TO BE SUBMITTED Participants must submit a series of 5 photos that include the following images in any case: One “Close Up Beauty” Shot, one “Paparazzi” Shot, and one “Frontal Full Outfit” Shot Submission must include the individual photos, as well as the photos combined in one PDF file PARTICIPATION REQUIREMENTS The participant must be Available and located in Berlin during the period of the competition Available and located in Berlin for the next BFW, which takes place in February 2026 Able to invoice their services during the next BFW in the case of winning An aspiring photographer (student, graduate, young professional) in the field of fashion/street-style photography SELECTION CRITERIA The photo series should • Represent and reflect the local fashion culture of Berlin and Berlin Fashion Week • Acknowledge and appreciate diversity in terms of gender, ethnicity, age, body type and fashion preferences • Highlight the originality and creative elements in BFW street-style, as well as represent individual interpretations of fashion • Be visually appealing and shareable on social media platforms *Can only be fulfilled if FCG is re-commissioned by the Berlin Senate Department for Economic Affairs, Energy and Public Enterprises for the next edition of BFW in 2025 TIME FRAME Feburary 2025 - Completed July 2025 - In Session WINNER AW25 Mariia Dred First Name* Last Name* E-Mail* Phone Number* Adress* Freelance Photographer Student Instagram Handle* Website TikTok Handle Please upload a series of 5 photos (with your copyright information) that include the following images in any case: One "Close Up Beauty" Shot , one "Paparazzi" Shot , and one "Frontal Full Outfit" Shot Upload 1* Individual Photos 5 Photos, minimum 1920 X 1080 px, File Format: JPG Upload 2* Photos Combined File Format: PDF Please read the TERMS & CONDITIONS CAREFULLY - agreeing to the terms is MANDATORY to taking part in the Street-Style Photo Competition: You commit that we are entitled to use your photographic material (always with copyright information) for the BFW communication on social media and editorial news You commit that we are entitled to pass on and use your personal data obtained in the course of Berlin Fashion Week (such as names) to third parties (e.g., media) In all social media releases relating to the competition, you must integrate the tag @berlinfashionwe (Berlin Fashion Week) and hashtag #berlinfashionweek Please make sure to request permission to take photos and collect individuals’ names, allowing proper attribution in case of publication I have read and accept the terms & conditions * Submit SUBMISSION First Name* Last Name* E-Mail* Phone Number* Adress* Freelance Photographer Student Instagram Handle* Website TikTok Handle Please upload a series of 5 photos (with your copyright information) that include the following images in any case: One "Close Up Beauty" Shot , one "Paparazzi" Shot , and one "Frontal Full Outfit" Shot Upload 1* Individual Photos 5 Photos, minimum 1920 X 1080 px, File Format: JPG Upload 2* Photos Combined File Format: PDF Please read the TERMS & CONDITIONS CAREFULLY - agreeing to the terms is MANDATORY to taking part in the Street-Style Photo Competition: You commit that we are entitled to use your photographic material (always with copyright information) for the BFW communication on social media and editorial news You commit that we are entitled to pass on and use your personal data obtained in the course of Berlin Fashion Week (such as names) to third parties (e.g., media) In all social media releases relating to the competition, you must integrate the tag @berlinfashionwe (Berlin Fashion Week) and hashtag #berlinfashionweek Please make sure to request permission to take photos and collect individuals’ names, allowing proper attribution in case of publication I have read and accept the terms & conditions * Submit CONTACT If you have any questions don't hesitate to contact us at coordination[at]fashionweek.berlin DOWNLOAD COMPETITION PDF here

Previous Next Christina Oster-Daum Mitglied des Präsidiums office[at]fashion-council-germany.org +49 30 994 0489 50

20. März 2025 Es ist der älteste und prestigeträchtigste Modepreis der Welt: In der Jury des Festival d’Hyères, für das alljährlich das Who is Who der Fashionwelt an die malerische Côte d’Azur reist, sitzen in diesem Jahr unter anderem Marine Serre, Grace Wales Bonner und Ludovic de Saint Sernin. Uns beim Fashion Council Germany freut es deshalb umso mehr, dass in diesem Jahr zu den Nominierten gleich zwei ehemalige Teilnehmende von Fashion x Craft zählen. In Partnerschaft mit eBay Deutschland und The King’s Foundation unterstützen wir mit diesem Programm junge Mode- und Texildesigner:innen in den Bereichen Nachhaltigkeit, Handwerkskunst und Innovation. Was Sofia Hermens Fernandez und Taskin Goec daraus mitgenommen haben, verraten sie uns im Interview. Sofia Hermens Fernandez Bitte fasse für uns in einem Satz zusammen, wofür du als Designerin stehst. Ich stehe für mädchenhafte, verspielte Details und aufwendige Textilmanipulationen. Girlhood ist das große Überthema deiner Kollektion, die du auf dem diesjährigen Festival d’Hyères zeigen wirst. Woher kommt die Faszination dafür? Gab es dafür ein Schlüsselerlebnis oder eine spezielle Erfahrung während deinem Aufwachsen? Meine Faszination mit Mode drehte sich schon immer darum, wie diese ein einflussreiches Mittel ist, um verschiedene Visionen von Weiblichkeit zu konstruieren. Girlhood als Konzept ist eine dieser Visionen und ich bin fasziniert von den ganzen textilen Details, die in der westlichen Mädchenkultur enthalten sind. Ich selbst mochte rosa und verspielte Details wie Schleifchen. Irgendwann hatte ich das Gefühl, dass die Gesellschaft mir sagt, ich darf mich diesen Dingen nicht hingeben, wenn ich ernst genommen werden will. Natürlich wollte ich ernst genommen werden, also lehnte ich sie schlagartig ab. Meine Vorliebe für mädchenhafte Sachen war aber nie wirklich weg, und nun widme ich mich ihnen als Designerin, auf meine ganz persönliche Art und mit Handarbeit. In deinen Designs verklärst du Mädchenhaftigkeit einerseits und dekonstruierst sie andererseits. Welche Wirkung möchtest du mit dem Endergebnis erzielen? Ich möchte zeigen, dass handgearbeitete Stücke, die mit viel Hingabe gemacht werden, einen hohen Wert haben. Girlhood ist für mich persönlich eine Lebenseinstellung, die Neugierde, Freiheit, Kreativität und Liebe zum Detail mit sich bringt und all das setze ich in meiner Arbeit um. Foto: Tobias Wendt Beschreibe uns ein Key Piece in deiner Kollektion, in dem sich deine Vision am deutlichsten widerspiegelt. Da würde ich zu dem pinken, komplett handgestrickten Kleid greifen, welches mich auch zur Finalistin bei Hyères gemacht hat. Es besteht aus Mohair-Seidengarn und ich habe es mit der Hilfe meiner Mutter umgesetzt. Mit dem drapierten Tüllkleid darunter ist es eine einzige pinke Wolke – unfassbar leicht zu tragen und wärmend durch das Garn. Ein wichtiger Bestandteil deiner Vision ist Handarbeit, die in unserer kollektiven Wahrnehmung ebenfalls eng mit Girlhood verknüpft ist, da diese Techniken einst vor allem von jungen Mädchen erlernt wurden. Viele betrachten sie deshalb heute als kritisch. Wie schaust du auf die Tradition der weiblichen Handarbeit in all ihren Facetten? Der Narrativ rund um weibliche Handarbeit ist historisch davon geprägt, dass sie als reiner „Zeitvertreib“ zu Hause angesehen wurde. Dabei liegt in Handarbeit unfassbar viel Wissen und technische Fähigkeiten, sowie die Macht Dinge selbst zu kreieren, was in unserer neo-kapitalistischen Welt ganz schön Wucht haben kann. Frauen sind in einflussreichen Positionen in der Modeindustrie leider nach wie vor die Minderheit, und ich denke, dass es einfach auch daran liegt, dass sie in der kollektiven Erinnerung mit Nadel und Faden in der Hand geboren werden, während ein Mann in der Modeindustrie eher als genial gilt. Welche Rolle hat Fashion x Craft in deiner Entwicklung als Designerin gespielt? Fashion x Craft ist ein wunderbares Programm, es hat mir über einen längeren Zeitraum immer wieder Gedankenfutter gegeben und mich gesehen fühlen lassen. Ich war noch nicht fertig mit meinem Studium, aber durch das Programm kam ich bereits mit vielen inspirierenden Menschen in Kontakt, die mich in meiner Arbeit bestärkt haben. Foto: Tobias Wendt Was waren bei Fashion x Craft die Learnings, Kontakte oder Erfahrungen, aus denen du am meisten Nutzen ziehen konntest? Viele Menschen, die ich durch das Programm kennengelernt habe, waren sehr warmherzig und hatten interessante Fähigkeiten und großes Wissen, wovon ich für mich selbst viel mitnehmen konnte. Mit den fünf anderen Teilnehmenden sind großartige Freundschaften und Zusammenarbeiten entstanden. Der Fashion Council Germany bot uns gute Möglichkeiten, unsere Arbeiten professionell zu präsentieren und er unterstützt uns weiterhin. Im Zuge des Programms hast du drei Wochen in einer Bildungsstätte der The Prince’s Foundation im englischen Highgrove verbracht, bei der es sich um einen Teil des Anwesens von Prinz Charles handelte. Was ist deine liebste Erinnerung an bzw. Anekdote aus dieser Zeit? Die drei Wochen dort waren unfassbar schön, wir hatten wunderbare Mentor:innen und das gesamte Umfeld war sehr inspirierend. Ich habe in der Zeit viel Input gesammelt und mich unfassbar eng mit den Mentor:innen und anderen Teilnehmenden ausgetauscht - und gelacht. Es gibt viel zu viele Erinnerungen und Anekdoten aus der Zeit, aber besonders lieb war mir mein Geburtstag dort und wie selbst die Polizist:innen, die Highgrove bewacht haben, mir herzlich gratulierten. Es geht bekanntlich nicht immer nur um das Gewinnen – was ist deine persönliche Motivation für die Teilnahme am Festival d’Hyères? Finalistin zu sein ist bereits ein großer Zuspruch für meine Arbeit. Ich hoffe, neue wertvolle Kontakte und Verbindungen zu knüpfen, die mich als junge Designerin weiterbringen. Taskin Goec Worum genau geht es bei Studio Taskin? Studio Taskin schlägt eine Brücke zwischen konventioneller und digitaler Mode und verbindet das Sinnliche mit dem Virtuellen. Du selbst bezeichnest dich als „Mixed-Reality-Modedesigner“ – was verstehst du darunter und was sind die Besonderheiten in deinem Schaffensprozess, die auf viele Menschen noch neu und nicht greifbar wirken? Es gibt noch keine etablierte Bezeichnung für das, was ich mache. Ich verwende „Mixed-Reality-Modedesigner“, weil meine Arbeit sowohl physisch als auch digital stattfindet. In meinem Studio kombiniere ich frei Tools und Techniken und entwickle kontinuierlich neue Workflows, vom einfachen Stickrahmen bis zum High-End-Computer. Ich sehe technologische Innovationen als eine der größten Chancen unserer Zeit. Deshalb frage ich mich täglich aufs Neue: Welche neuen Tools gibt es, und wie können sie den Entwurf und die Produktion von Mode bereichern? Was sagst du Menschen, die fürchten, digitale Technologien und KI würden traditionellem Handwerk entgegenstehen und es möglicherweise verdrängen? Ich möchte zeigen, dass beides Hand in Hand geht und dass es auch digitales Handwerk gibt. Hinter KI-Modellen stehen Menschen, die sie trainieren, fine-tunen und mit ihnen Inhalte generieren. Wir müssen lernen, KI-Anwendungen gezielt und kontrolliert zu nutzen. Dass traditionelles Handwerk verdrängt wird, ist zudem eine Entwicklung, die unter anderem mit den globalen Märkten zusammenhängt – und kein neues Phänomen, das allein der KI geschuldet ist. Seit diesem Jahr bieten Rafael Herzberger und ich Workshops, Seminare und Lehrveranstaltungen an, in denen wir KI-Workflows für Design vermitteln. Unser Ziel ist es, einen Überblick über die komplexe Landschaft zu geben und individuelle Prozesse zu entwickeln. Taskin Goec ist der kreative Kopf hinter Studio Taskin Wie würdest du das Zusammenspiel von dir als Person mit den Tools, die du nutzt, beschreiben? Sind sie eine Verlängerung deiner selbst? Oder eher ein ausgelagerter Pool an Wissen und Fähigkeiten? Ich behandle meine Tools wie ein Team von Assistenten. Woraus konntest du bei Fashion x Craft am meisten Nutzen für dich ziehen? Handwerk bedeutet Offenheit gegenüber dem Material: zu lernen, es sprechen zu lassen und sein Potenzial zu erkennen. Diese Haltung lässt sich auf vieles im (Arbeits-)Alltag übertragen. Was ist deine liebste Erinnerung aus der Zeit, die du bei Fashion x Craft verbracht hast? Das Seilflechten und das Lernen über traditionelle irische Rituale. Die Kreativität, die es braucht, aus Rohstoffen wie Roggenstroh flexible, robuste Strukturen zu schaffen und die Wertschätzung dafür, die sich in Fest, Spiel und Ritual ausdrückt. Und natürlich: das Seilspringen damit! Rover Glam Sunglasses von Studio Taskin Du bist nominiert in der Kategorie Accessoires beim diesjährigen Festival d’Hyères – kannst du uns ein Design von dir, das es dort zu sehen geben wird, näher beschreiben? Das Herzstück der Kollektion ist eine modulare Sonnenbrille. Ihr Design wurde mit einer generativen KI entwickelt, die ich mit all meinen bisherigen Entwürfen und Renderings trainiert habe, eine Art digitale Kopie meiner kreativen DNA. Was hast du dir persönlich als Ziel für das Festival d’Hyères gesteckt? Das Festival d’Hyères ist ikonisch. Als Finalist repräsentiere ich einen neuen Ansatz: den eines Mixed-Reality-Designers. Es geht mir nicht nur um meine Entwürfe, sondern darum, Design aus einer innovativen Perspektive zu denken und zu vermitteln. AUTOR:IN Ann-Kathrin Riedl ANSPRECHPARTNER:IN Ann-Kathrin Riedl INFOS ANFRAGEN ari[at]fashion-council-germany.org WEBSITE/S MITGLIEDER Previous Next Interview Von Fashion x Craft zum Festival de Hyères: Sofia Hermens Fernandez und Taskin Goec über ihre Nominierung beim wichtigsten Modepreis der Welt

4. März 2025 Nach fünf erfolgreichen Editionen setzen wir gemeinsam mit der Berliner Senatsverwaltung für Wirtschaft, Energie und Betriebe / Projekt Zukunft die Förderung kreativer Präsentationsformate mit dem Konzeptwettbewerb zur Berlin Fashion Week fort. Designer:innen und Modelabels können sich vom 04. bis zum 24. März 2025 bewerben und Preisgelder von bis zu 25.000 Euro gewinnen. Konzepte können in zwei Kategorien eingereicht werden: BERLIN CONTEMPORARY In der Kategorie Berlin Contemporary werden die 19 innovativsten Show- und Präsentationskonzepte ausgezeichnet, die durch einen nachhaltigen und kreativen Ansatz überzeugen. In die Bewertung der Fachjury fließen neben den eingereichten Konzepten für die SS26-Saison auch vergangene Kollektionen mit ein. Diese werden hinsichtlich ihres Designanspruchs, der handwerklichen Qualität und des kommerziellen Potenzials bewertet. Ausgezeichnet werden die überzeugendsten 16 Konzepte, eingereicht von in Berlin, Deutschland oder der Ukraine ansässigen Bewerber:innen. Zudem werden zum ersten Mal auch zwei internationale Modelabels prämiert. Ein Preis wird erneut an ein Modelabel mit Sitz in einem afrikanischen Land vergeben. Die Preisgelder betragen jeweils 25.000 Euro. STUDIO2RETAIL In der Kategorie STUDIO2RETAIL werden Eventkonzepte ausgezeichnet, die für Endkonsument:innen offen zugänglich sind und ihnen die Möglichkeit bieten, die Berlin Fashion Week hautnah zu erleben. Fünf der innovativsten B2C-Veranstaltungskonzepte, die von Berliner Modelabels, dem stationären Einzelhandel oder modefokussierten Events stammen, erhalten jeweils 5.000 Euro. Die Bewertung erfolgt anhand der Kriterien Nachhaltigkeit, Innovation, Diversität sowie einer potenziellen überdurchschnittlichen Medienwirksamkeit. Ein zusätzliches sechstes Preisgeld wird auch in dieser Saison von der Berliner Sparkasse bereitgestellt. Details zu den Teilnahmebedingungen sind hier zu finden: https://fashionweek.berlin/talent-support/concept-competition-ss26.html Der Wettbewerb wird aus den Mitteln des Landes Berlin/Projekt Zukunft und ERFE-Fonds finanziert. AUTOR:IN Fashion Council Germany ANSPRECHPARTNER:IN Antara Gill INFOS ANFRAGEN coordination[at]fashionweek.berlin WEBSITE/S https://fashionweek.berlin/berlin-fashion-week.html https://fashionweek.berlin/talent-support/concept-competition-ss26.html MITGLIEDER Previous Next News Konzeptwettbewerb zur Berlin Fashion Week startet in die nächste Saison

7. Jan. 2022 Das Berliner KaDeWe ist so ikonisch, dass es nicht nur von Vladimir Nabokov in der Weltliteratur verewigt wurde, sondern auch gerade in einem Serienepos kanonisiert wurde. Auch wenn die Serie „Eldorado KaDeWe“ in den Goldenen Zwanzigern spielt, könnte der Titel kaum treffender sein: „Jetzt ist unsere Zeit“ - das könnte auch für das KaDeWe von heute gelten. Immerhin ist es die drittwichtigste Sehenswürdigkeit der Stadt Berlin und gerade wurde die neue Rolltreppe nach einem Masterplan des Architektenbüro OMA enthüllt. Die KaDeWe Group, zu der auch noch das Alsterhaus in Hamburg und der Oberpollinger in München gehört, hat ambitionierte Pläne: Mit weiteren Häusern in Düsseldorf und Wien soll bald die Milliardenmarke erreicht werden. FCG: Die KaDeWe Group zählt mit dem KaDeWe in Berlin, dem Oberpollinger in München und dem Alsterhaus in Hamburg zu den größten Einzelhändlern in Deutschland. Was ist Eure Vision des Warenhauses der Zukunft? André Maeder: Es soll ein Ort der Begegnung sein, der Inspiration, der Freude, der Faszination und der Passion. Man geht nicht nur zum Einkaufen hin, sondern um Leute zu treffen und etwas zu erleben. Das ist das Moderne und das brauchen Menschen auch in der Zukunft. In den letzten fünf Jahren sind wir jede Fläche im KaDeWe angegangen und haben sie nicht nur architektonisch umgebaut, sondern auch das Sortiment neu kuratiert, die Öffnungszeiten angepasst und Events ausgebaut. Das KaDeWe entwickelt sich kontinuierlich weiter mit wechselnden Kollektionen und Pop-ups, Services und Events, die den Ort interessanter machen. Das Gesamtkonzept haben Rem Koolhaas und Ellen van Loon von OMA konzipiert, aber darüber hinaus haben wir Designer, die die einzelnen Flächen und Abteilungen einzigartig machen, zum Beispiel India Mahdavi aus Paris für den Damen Designer Bereich. Wir sind nicht nur ein Department Store für Fashion oder Accessoires, sondern bringen fünf Säulen zu Erlebniswelten zusammen, die untereinander verbunden sind. Fashion, Home, Beauty, Food und Accessories & Luxury sind nicht getrennt, sondern gehen über die vertikalen Erlebniswelten ineinander über. Das ist einzigartig. Das Alsterhaus und der Oberpollinger wurden ebenfalls umgebaut und auch dort erwarten unsere Gäste besondere Erlebniswelten. FCG: Ihr seid im Jahr 2020 parallel zur ersten Welle der Covid-19-Pandemie mit Eurem Online-Shop gestartet. Was bietet Eurer Ansicht nach E-Commerce, was die Warenhäuser nicht bieten und was haben sie vielleicht auch gemeinsam? AM: Man kann das nicht mehr getrennt denken. Die Kund:innen von heute informieren sich, egal, was sie kaufen oder wo sie es kaufen, sie entscheiden sich nicht bewusst zwischen digitalem oder stationärem Handel. Aber sie wollen trotzdem mit allen Sinnen etwas erleben. Das KaDeWe ist eine Marke und das Kaufhaus ist eine Erlebniswelt, die wir natürlich auch online spielen. In Zukunft bauen wir alle unsere Kanäle noch sehr viel stärker aus. Nicht nur das Sortiment wird ständig digital weiterausgebaut, jeden Tag kommen neue Marken dazu, und auch Services und Veranstaltungen werden wir online bringen. FCG: Das KaDeWe in Berlin wird seit Jahren nach den Plänen des niederländischen Stararchitekten Rem Koolhaas umfangreich umgebaut und neue Flächen und Angebote werden geschaffen. Wie schafft Ihr die Balance zwischen internationalem Angebot und lokaler Relevanz? AM: Das KaDeWe war immer schon ein Department Store auf internationalem Niveau. Dazu gehören internationale Luxusmarken, aber auch das Lokale ist uns wichtig. Es macht keinen Sinn diese Kollektionen sichtbar zu trennen. Die Architekten von OMA haben Quadranten geschaffen, die die einzelnen Bereiche vertikal miteinander verknüpfen und jeweils in „Casual“,„Contemporary“, „Modern Classic“ und „Design“ unterteilen lassen. Wir mischen lokale Marken mit internationalen Marken, etwa Lala Berlin oder Schumacher im Contemporary-Bereich. Das gleiche machen wir auch bei Home & Living oder Kosmetik. Das spannende ist, alle diese interessanten Marken zu einem kuratierten Angebot zu verknüpfen. Unsere Feinschmeckeretage, die Sechste, ist eine der wichtigsten und besten der Welt. Wir haben auch eine eigene Produktion für Süßwaren und alle Backwaren. Selbst wenn Sie ein französisches Aprikosentörtchen kaufen, dann ist das zu 100 Prozent in unserem Haus selbstgemacht. Das ist sehr lokal. Von den 25 Restaurants sind zehn aus Berlin. Es sind italienische, thailändische oder vietnamesische Restaurants aus Berlin, die wir hier reinbringen. Das ist uns sehr wichtig, auch in den anderen Bereichen wie Fashion und Home. FCG: Nach welchen Kriterien werden neue Marken, Brands und Kollektion in Euren Sortimenten aufgenommen und welche Rolle spielen dabei Nachhaltigkeit, Inklusion und Innovation? AM: Wir haben 24 Einkäufer:innen, die ständig auf der ganzen Welt unterwegs sind und nach den richtigen Marken und einer besonderen Auswahl schauen. Ein Beispiel: vor acht Jahren hatten wir 250 Pfeffermühlen im KaDeWe im Angebot. Das ist viel zu viel, heute sind es 30. Es geht um die richtige Größe des Sortiments und die richtige Zusammenstellung. Das suchen wir selbstverständlich nach Kriterien von Qualität und Design aus, aber auch nach einer ausgewogenen Mischung, die das lokale und internationale einbindet. Dabei schauen wir auch auf die Häuser. Wie groß ist das Haus? In welcher Umgebung steht es? Welche Kund:innen besuchen uns? Im Alsterhaus sind es zu 80 Prozent Hamburger, im KaDeWe kommen die Hälfte der Besucher:innen aus Berlin – all das schauen wir uns auch in der Auswahl und Zusammensetzung unseres Sortiments an. Passt eine Marke in das Haus, lokal in die Umgebung und zu den Kund:innen? FCG: Wie sehen Eure Pläne außerhalb der Standorte Berlin, Hamburg und München aus (Stichwort Wien, Düsseldorf)? Wir haben für jedes Haus einen weltberühmten Architekten, der für das Gesamtkonzept zuständig ist, aber insgesamt auch fast 40 Designer und Architekten, die die einzelnen Bereiche und Abteilungen im Inneren verantworten. In Düsseldorf wird David Chipperfield die Leitung für den Umbau des Carsch Haus übernehmen. Das Carsch Haus wird ein Concept Store auf 10.000m2, sehr edgy und mit vielen neuen Marken im Contemporary und Affordable Luxury-Bereich. Der Store greift die Ästhetik von Harvey Nichols in London und Barneys in New York aus den Neunzigerjahren aufund wird ein digitales Erlebnis mit Technologien, die man sich heute noch gar nicht vorstellen kann. Wien ist von der Fläche viel größer und in der MariahilferStraße in einer ganz anderen Umgebung gelegen. Das Haus ist in Planung, aber es soll ein Concept Store für die Stadt Wien werden und der coolste und modernste Department Store Europas. Das Architektenbüro OMA mit Rem Koolhaas und Ellen van Loon verantwortet wie in Berlin das Gesamtkonzept. Wie bei unseren anderen Häusern haben wir für die zwei neuen Standorte die Architekten und Designer auch danach ausgesucht, dass sie die Stadt nachvollziehen können und das in den Häusern umsetzen. Wir bedanken uns bei André Maeder für das Gespräch. AUTOR:IN Fashion Council Germany ANSPRECHPARTNER:IN INFOS ANFRAGEN WEBSITE/S MITGLIEDER KaDeWe GmbH Previous Next Interview Im Gespräch mit André Maeder (CEO, The KaDeWe Group): Das Kaufhaus der Zukunft ist ein Ort der Begegnung

4. Okt. 2022 Am vergangenen Wochenende vom 30.09.2022 bis zum 03.10.2022 fand nach zweijähriger coronabedingter Pause wieder der DACH Showroom zur Paris Fashion Week statt. Organisiert von Arne Eberle und seinen Team sowie der Austrian Fashion Association (AFA) wurden ingesamt 17 deutsche und österreichische Newcomer-Brands im DACH Showroom im Herzen des Quartier du Temple im Pariser Marais vorgestellt. Diese Saison waren die FCG-Mitglieder Acceptance Letter Studio , Haderlump Atelier Berlin , Leinz Eyewear , Susumu Ai sowie die Berliner Labels Anne Bernecker, Clara Colette Miramon, Halo Labels, Tata Christiane und Vladimir Karaleev aus Deutschland vertreten. Aus Österreich waren die Designer:innen Astrid Deigner, Güç, Julia Skergeth, Modus Vivendi, Not Yet FYI, Published By, Rendl und Timna Weber präsentiert. Vergangenen Freitag, den 30.09.2022, fand das offizielle Opening und Get-Together statt. Eingeladen waren neben internationalen Einkäufer:innen und Journalist:innen natürlich auch die Designer:innen des Showrooms, die ihre Kollektion vor Ort dem Fachpublikum vorstellten. Als sich die Gründer:innen des Berlin Showroom, des Österreichischen Modeverbandes und der Mode Suisse Anfang 2017 während der Fashion Week in Paris trafen, entstand der DACH Showroom aus dem gemeinsamen Wunsch heraus, aufstrebenden Modedesigner:innen aus Österreich, Deutschland und der Schweiz eine internationale Bühne zu bieten. Seit Jahren engagieren sich die Beteiligten dafür, heimische Modeinnovationen auf verschiedenen internationalen Plattformen zu präsentieren und zu fördern. Mit dem DACH Showroom ist ein neuer, dynamischer und inspirierender Showroom entstanden, der einer jungen Generation von Modedesigner:innen den Raum und die Unterstützung bietet, sich in der globalen Branche zurechtzufinden. Weitere Informationen zum DACH Showroom unter folgendem Link . Unterstützt u.a. durch die Senatsverwaltung für Wirtschaft, Energie und Betriebe AUTOR:IN Fashion Council Germany ANSPRECHPARTNER:IN Lydia Kleiber INFOS ANFRAGEN press[at]fashion-council-germany.org WEBSITE/S https://www.dachshowroom.com/ MITGLIEDER Previous Next News Unsere Mitglieder im DACH Showroom auf der Paris Fashion Week vom 30.09. bis zum 03.10.2022

members recreategoods Fashion Expert The Berlin-based initiative recreategoods has set itself the task of paying homage to existing material and simplifying the design of already manufactured clothing items using artificial intelligence. New products and collections are created from so-called usable, unsold goods. A model that enables generative design guided by and based on the molded source material. In this way, locally stored deadstock is integrated into future collections. Conventional design processes are enriched. Designers decide quickly and easily which proposals to implement. In this way, recreategoods enables the reuse of materials and saves on production emissions. Industrial upcycling is realized with local partners. http://www.recreategoods.com stephaniepupke[at]gmail.com Next Previous